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I'm Gonna Knock On Your Door

Imgonnaknockon

 1979年6月15日、PAF5大阪会場の一部は、アニメマニアたちの異常な熱気でつつまれていた。

 彼らが待ち受けていたのは、わずか上映時間1分ほどの自主制作アニメーション、「I'm Gonna Knock On Your Door」。あまり動かない当時の自主アニメの中にあって、BGMにぴったり合った軽快な動きと可愛いキャラクターで、この年の他会場でバカ受けしていた。(頭の絵は記憶を元に描いたもので、本物はもっと達者な絵でもっと可愛いです)

 この当時の自主アニメの音付けというと、カセットテープかレコードプレーヤーで音楽を再生しながら、映写機で映写しながら録音する、というスタイルが一般的だった。この録音というもの、映写機を途中で止めて、再スタートする度に、「ブツッ」という音は録音されるわ、映写機もプレーヤーもアナログ用の家庭用機器なので、再生・録音する度に微妙に時間が違い、頭を合わせると最後が合わない、最後で合わせると頭が合わない、たまりかねて映像の長さを調節するとあらぬ方向(前後)にずれる、というものだった。たまりかねて「大体」で妥協したり、映写しながらリアルタイムで音を作ってアフレコしたり、という惨憺たる状況で、今日のデジタル編集に親しんでいる皆様には想像もつかないだろう。

 そういう中に、この作品が登場したのである。軽快なアメリカンPOPのBGMで、かなり有名な曲なのでご存知の方も多いと思うが、「カンカンカンカン」とか、「ダダダダ」という部分がかなり多い。その「カン」ひとつひとつに動きが合っていて、最後までずれずにきちんと終わるのである。

 この作品を受け付けた関係者の当時の証言によると、「一旦出品してきてから、「どうも絵と音のタイミングが納得できない」と作品を持ち帰り、再度持って来た。最初のバージョンでも十分音は合っていたのだが」という事だった。
 この作者(重田誠・武内理能)の執念がアニメマニア達の心を打ったのか、上映終了と同時に割れるような拍手が会場から上がった。

 さて、この作品の作者、あまりに達者な絵と動きだったため、当時、「ブロの仕事ではないか」という噂もあった位であるが、その後はアニメ作品は発表していない。しかし「武内理能」で検索すると、「落葉伽藍 武内理能作品集」「草瞑花想」という2冊の写真集と画集がヒットする。あまりある名前ではないと思うので、その後はこちらの分野で活躍されているのかも知れない。

 ところで、ビデオのない当時、「この作品」が上映される事を、アニメマニア達はどうして知っていたのだろうか。

 実は、当時のPAFは、東京・静岡・名古屋・京都・大阪・神戸を巡回上映していて、6月にはすでに京都・神戸での上映がすんでおり、京都・神戸で見たマニアたちが、「もう一回見たい!」という事で大阪に登場したわけである。

 8mmフィルムというのは基本的にオリジナル一本しかなく、上映を重ねて映写機を通す度に消耗していく。なので、「すぐ近所で3回も上映するのなら、大きな会場で1回上映して、北海道とか九州とかでの上映を増やせばよいのではないか」という発想が出て来ても不思議ではない。結局、PAF終了間際になって、関西のPAF上映は神戸一カ所となり、九州・北海道での上映も実現したのだが。

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地球クラブの大川くん

U-DON

地球クラブというのは、今年(2011年)4月に亡くなられたアニメーション作家、相原信洋さんが80年に東京で立ち上げた自主アニメ団体である。青山のマンションの一室を借り、毎週一回全員で集まってそれぞれの制作を行い、また各地で上映活動を展開していた。ここのOBとしては現在も活躍中の関口和博さん、横須賀令子さんがいる。

 当時相原さんは、「ばんばん作らなきゃだめだよ」と言いながら盛んに若い連中をかき集めていた。当時の大阪のアニメ塾、東京のアニメーション80も相原さんがきっかけになって出来た団体である。(最近、相原さんの周辺にいた若い方によると、今でも「ばんばん作らなきゃだめだよ」と言っていたそうだ)

 で、相原さんなり、団体の上映会が終わると、みんなで夜遅ーくまで話し込む、というのがその頃のパターンで、(話し込む、と、言うより、ほとんど相原さんが熱く語るのをみんな聞いている、という方が正しい)喫茶店でしゃべっている内に電車が無くなって全員始発まで徹夜したり、ビジネスホテルでしゃべっていて、「他の部屋の方が眠れないのでもうやめて下さい」とホテルの人に怒られたりしていたのである。

 そういう話し込みの一つで、当時のアニメ塾の代表の三吉さんとかと話を聞いていると、相原さんが、「最近、大川くんというのが地球クラブに入って来て、すごいんだよ。セルを置き換えるんじゃなくて、どんどん積み重ねていくんだよ。」という話をしたのである。相原さんがすごいというんだからすごいんだろう。

 いざ実際の作品を観てみると、セルにペイントマーカーで描いた絵がどんどん積み重なって行く。パソコンのレイヤーとは違い、実物のセルは透明とはいえ厚みがあるから、積み重ねれば積み重ねるほど下のセルはだんだん暗くなって沈みこんでいく、という効果になる。「なるほど、この手があったか」という手法だった。

 それとは別に描きアニメもあり、画面一杯にかきなぐったような絵が、画面一杯にぐちゃぐちゃに動き続ける、という凄まじい作品で、今ならそう珍しくはないが、当時は非常に斬新な感銘を受けた。

以下に資料から、大川くん(フルネームは大川比呂之さん)の作品タイトルを紹介する。(年数は
制作年ではなく、上映された年)

MIED YOUR EYE(82年 神戸の地球クラブ アニメランドで上映)
トラウマ(82年 神戸の地球クラブ アニメランドで上映)
イダム(83年 京都の地球クラブ アニメランドで上映)
イダム2(83年 大阪の地球塾 アニメワールドで上映)
U-DON(84年 神戸のアニメーション80上映会で上映)
イダム3(84年 ユーロスペースのアニメーション80上映会で上映)
デージ(85年 アニメーション80上映会で上映)
Back Drop(86年 ピアアニメサマーフェスで上映)
イダム4(88年 アニメーション80フィルムショーで上映)

とにかく、ぐっちゃぐちゃの絵が画面せましと動き回るエネルギッシュな作品群である。

この「大川くん」に初めて会った時の印象は、「あっ、Dr.マシリトだ」である。(「Dr. マシリト」というのは、当時非常に人気のあったマンガ、「Dr.スランプ」の敵役の科学者で、少年ジャンプの担当編集の鳥島さんという方の似顔絵がそのままキャラになっていたのである。)作風はぐしゃぐしゃだが、本人は温厚な好青年、という感じだった。当時「大川くん」は地球クラブの上映会の世話役のような事をしていて、私の所属していたアニメ塾との合同上映会などの件でしばしば電話でやりとりをしていた。

 で、ある日「大川くん」から電話がかかってきた。「今、イベントのバイトで来ているんで、来ませんか」「あー、はい、どのへんですか」「名古屋の駅前です」
 おっと、こっちは大阪なんですけど。東京の人から見ると、名古屋も京都も大阪もすぐ近くに見えるんだろうか。とはいえ、ほいほいと、高速バスで出かけて行ったこっちもこっちだが。

 そのイベントは、中島興さんがからんでいた現代アートのイベントだったように思う。「大川くん」は、「知ってる人が誰もいないんです。」との事だった。めしを一緒に食べて、バスで帰りました。

 その後、「大川くん」は地球クラブからアニメーション80に移籍して、90年頃まで活動していた。現在は自主制作は作っていないようだが、才能のある方だったので、どこかのプロの現場で活躍されているのではないかと思う。

 さて。話は、80年代初めに戻る。最初に「大川くん」の作品を観てから、しばらくして、相原さんの上映会があり、アニメ塾の三吉さん他と観に行った。
 
 相原さんの新作が「ぐっしゃぐしゃ」になっていた。

 「これ、大川くんの影響かなあ」と、三吉さんと顔を見合わせて話したものだ。

 ここ10年位に相原さんの作品を観だした人には分かりにくいかもしれないが、初期の具象的な切り紙アニメから、70年代後半の「妄動」あたりより、相原さんの作風は、端正な鉛筆画のなめらかな抽象アニメに向かった。(別に実験映画の系列もあるけれど)「カルマ」あたりでは作風が確立された感があり、フルカラーの「水輪」などを観ていると、「相原さんの作風はこうなんだ」と思わせるものがあった。

 それがいきなり「ぐっしゃぐしゃ」になったのである。その後も、「Wind」のような端正な抽象作品も発表されていたが、この「ぐっしゃぐしゃ」の系統の作品の方が量的には多かったように思う。

 この「ぐっしゃぐしゃ」原因がほんとに「大川くん」の作品にあるのかどうかは、当時、相原さん本人に、「これ、大川くんの影響ですか」と聞く訳にもいかなかったので、ほんとの事は分からないのだが。

 90年頃より「大川くん」の自主作品の発表はなくなったが、相原さんはその後も「バンバン作んなきゃだめだよ」と言い続け、また、ご存知の通り精力的に制作活動を続けた。そして、相原さんの作品に魅かれてアニメーションの門をくぐった人はいっぱいいる。

 と言う事は、この「大川くん」は本人も知らない内に、日本の自主制作アニメーションに大きな影響を与えていた事になるのかも知れないのである。

 

失われた世界

こんな感じの画面でした

こんな感じの画面でした

 1970年、村上修平作品、17分37秒。1980年、PAF6にて上映。PAF上映に際し、若干の撮り足しをした、との事。

 アーサー・コナン・ドイルの「ロスト・ワールド」の自主アニメ化。制作年月日と作風からすると、70年代後半の自主アニメ世代ではなく、小型映画の系統の方らしい。

 切り紙アニメで、明快な話である。特に恐竜の動きに質感があるとか、カット割りが大胆という事も無く、普通に話は進んでいく。絵柄は、劇画風でなくマンガチックで、今で言うとしりあがり寿風だが、ヘタウマではなく、リアルに一生懸命描いて結果としてそうなっている、という絵だった。

 のだが、上の絵にある、「登場人物が手前を指差す所を極端な遠近感で描く」カットがやたらと印象的だった。

 会場に来られていた今泉晶彬さん(当時は幻覚工房の今泉了輔さんだった)は、映像の事に関してはとてもきびしい方だったが、上映後、この「指差し」の物まねをしながら、「これ、これやからね」と大笑いしていた。(後で「作品としては失敗作やね」と付け足されていましたが)

 70年当時は恐竜映画(怪獣映画ではない)がほとんどなく、欲求不満から自分で作ったという コメントだったが、なるほど恐竜大好き、という事はよくわかる映画だった。作者の方、ジェラシック・パークが公開された時は、恐竜初登場の場面で、映画に出てくる恐竜博士と同じ顔になったのではないでしょうか。


王の剣

 STUDIO MACK 1981年制作、宮沢俊哉演出、セルアニメ、上映時間45分。1985年のAAPA9でリバイバル上映された。
 普通の自主制作アニメが3分くらいの作品も珍しくない中、45分というのは別格の大長編である。(別の資料によると、この作品の上映時間は49分となっている)しかも、手間のかかるセルアニメである。ちゃんと音楽・セリフも入れてある。物語の舞台は巨人が登場し、剣と魔法の世界、冒険を描いたヒロイック・ファンタジーだ。

 上映後、監督の宮沢氏は感慨深げに作品を振り返っていたが、この作品の制作にかかった時間と労力を考えれば当然の事だろう。だが、観客の反応はまた別だった。長過ぎるとか、テンポが悪い、編集で半分程度に削るべき、などという声が多かった。味方の巨人が次々に倒されて死んでしまうシーンなどはなかなか叙情性もありよかったように覚えているが、全体に、特に意味もなくキャラクターがじーっと止まっているシーンが多かった。

 この、STUDIO MACKという自主制作グループは、「よくわかるストーリーのあるセルアニメ」を作る事にたけていて、「なんでも修理屋さん」というセミホラーの短編などはきちんとまとまってはいたのだが、この作品については、作ろうとしたものが大き過ぎたようだ。

 制作プロセスも、企画を考え、脚本を作り、絵コンテを作って、動画と背景を作り、撮影して編集し音を入れる、という段階をきちんとふんではいたのだろう。(とにかく出来上がったのだから)

ところが、絵コンテを元に動画を描いてタイムシートを作る段階で、細かく演出的にコントロールする事ができず、「絵コンテの指示とおりの時間を埋めて行く」という作業になったのではないか。それで出来上がった個々のカットを順番通りに積み上げてみた所、全体の映像が出来上がり、その絵にそのまま音をつけて完成、にした所、こういう事になったのだと思う。

 「マンガ」であれば、読者が読むスピードをコントロールできるが、「アニメーション」は作者の提供した時間をそのまま観客は受け入れざるを得ない。止まっている場面が多い、と先に書いたが、必然性があって止まっているのであれば別に何の問題も無い。「エヴァンゲリオン」は動く部分はきちんと動くが、止まっている場面はあきれるほど止まっていて、かつ画面に緊張感を持たせている。

 作り手がある場面を観客に示す。観客は何か考えるだろう。主人公が何か投げたら、「その投げたものはどうなったのか」と考える。次の場面で、投げたものがどこかに落ちる。投げた時の勢いと、投げてから落ちるまでの時間から、「ああ、この位の距離に投げたのだな」と思う。ところが、観客の感じた距離感と、劇中の距離感が合わないと、「あれ?」という違和感が生じる。「主人公が投げる」カットと、「投げたものが落ちる」というカットをただつなぐのではなく、「投げてから落ちるまで」の時間をきちんとコントロールすべきだろう。

 あるいは、登場人物が何か意外な事をしゃべる。周りのキャラクターは驚く。このシーンでも、しゃべった後、すぐに全員「えーっ」と驚くカットにつなぐのか、しゃべった後しばらくしゃべった人物の止めが続いて、カットが切り替わると「全員言葉もでないほど驚いている」カットにつなぐのかでその後の展開が変わってくる。しゃべり終わってしばらく止めが続き、カットが切り替わってからようやく「えーっ」と皆が声を上げて驚いていたのではおかしいだろう。

 絵コンテで1カット5秒とあれば、8ミリで秒18コマで作画すると90コマになる。しかしこの場面は本当に5秒なのか、5秒6コマではないのか、4秒11コマではないのか、カットの中の動きはどこで終わるべきなのか、あるいは動きながら次のカットに移るのではないか、という事をつきつめながら作るべきであろう。

 作者は一方的に観客に完成した作品をみせるのだが、作りながら、「このカットを観て観客はどう思うか」「観客は次に何を期待するか」「その期待通りのものを見せてスムースに進めるのか」「意外なものを見せてびっくりさせるのか」「このカットはどこで始まってどこへつなぐのか」という事を常に考えないと、観客が話にのってこれないだろうな。

 という事で、「ストーリーのある映像の演出」について、考えさせられた作品でした。

おはよー! TAIYO-SAN

AAPA上映会場風景
 (上はAAPA12 上映会場風景です)

 1985年、AAPA10上映。8mm 上映時間 1分。制作 TENPURA-UDON LABEL。
 この作品が上映された「AAPA」という上映会は、神戸の同名団体が自主制作アニメの振興のため開催していた上映会。当時は高校生の出品が多かった。この上映会にはその頃までよくあった「セルアニメ至上主義」的な部分があり、ペーパーアニメの動画(もちろんそのまま撮影する)を「紙セル」と呼んだり、ペーバー作品の作者に「次はちゃんとセルで仕上げますか」などというコメントを付けたりしていた。

 この「セルアニメコンプレックス」というべきセルアニメへのこだわりは特に初期の自主アニメ初心者にはよく見られ、動画だけでは未完成、動画の出来はあまり良くなくても、セルにトレス彩色して撮影すれば感動的な作品が作れる、と言う思い込みがあるのでは、と思わせるほどだった。当時は、一般アニメ入門書のアニメ作りのプロセスには必ずセル仕上げが入っており、セル仕上げが当然で、「セルアニメが本物、ペーパーアニメは代用品」と思われていたふしがある。また、その頃、普通のアニメファンに商業アニメのセル収集ブームがあり、セルは単なるアニメ制作プロセスの中間生産物ではなく、それ自身が独立した価値をもつコレクションとして扱われていたのもその原因の一つかと思われる。

 ところで本作品は、動画用紙に直描きのペーパーアニメ。初期の宮崎アニメキャラに似た少年がメカに載って、くるりと振り返ると太陽が昇って「おはよー! TAIYO-SAN」で終わり、という単純な作品だったと覚えている。
 絵は達者、動きもなめらかだが、内容は別にどういうことのない作品。ただし当時の自主アニメの中では技術的な完成度の高さを感じさせる作品だった。
 しかも、作者は当時高校生である。
 ほお、いいじゃない、という事になりそうだが、この高校生が、その年夏の第一回広島国際アニメーションフェスティバルの予選を通過し、デビュー賞を受賞していた、という事になると話はまた違ってくる。(作者があえて「TENPURA-UDON LABEL」名で発表した作品のため、ここでは氏名は記載しません。)
 事情を知るメンバーの中では、あのデビュー作で、なんでこの作品なの? という声が出たそうだ。(ただし、AAPAの方はご存知なかったらしい。) 私も別の上映会でかけるためにこの作品を借りて観たのだが(AAPAでは観ていなかった)、「同じ作家の作品とは思えない」というのが正直な感想だった。

 もちろん自主制作だから、誰が何をどう作ろうと本人の勝手だし、作りたくなければ作らなければいい、というのも自主制作である。このあたりが難しい所で、作者により良い作品を作らせるのが正しい自主アニメ評論なのか、作者の作りたいものを作れというのが自主アニメ評論なのか、そもそも自主制作のより良い作品とは何なのか、という話になってくる。(筆者の意見では、「作者の作りたいものを作る事がより良い作品作りにつながる、ただし作者が自分が本当に作りたいものかわかっているかどうかが問題だ」という事だが)

 この作者、知り合いに聞いた所では、87年の広島フェスにも作品をエントリーしたが、予選は通らなかったらしい。しかし広島のレギュレーションを考えると、応募作品は「おはよー!」ではなく、別の新作だったと思われる。
 その後、この作者がアニメーションの作品を作って発表したという話は聞かないが、この作品は筆者が「自主制作アニメ」についておおいに考えさせられた作品ではあった。
プロフィール

かにの社長

Author:かにの社長
1974年頃より自主制作アニメーションを作り続けています。自称「自主アニメの岩田鉄五郎」、最長不倒記録を更新中。

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